L’attore in spot è colui che attraverso al propria comunicativa e disinvoltura in pubblico dimostra di possedere caratteristiche di originalità. Per far sì che un bravo attore pubblicitario possa definirsi tale è necessario che possegga tecniche di recitazione di base, una buona dizione, capacità di improvvisazione, mimica facciale.

La necessità di compiere operazioni, gesti, movimenti del tutto innaturali per creare un effetto di spontanea naturalezza non è dunque ciò che può spaventare un attore quando passa dal teatro al cinema o alla televisione. Se mai, sul set vengono accentuate e condotte fino alle loro possibilità estreme, forme di recitazione che l’attore di teatro usa in modo molto più semplice ed occasionale.

Di fronte alla macchina da presa, per esempio, l’attore deve regolare i suoi gesti in base all’inquadratura, più o meno stretta e vicina, dal piano lungo fino al piano medio, al primo e al primissimo piano.

Per molti dei suoi aspetti, anche per quelli che ci sembrano più caratteristici e strani, la recitazione cinematografica e televisiva non fa che sviluppare abilità e procedimenti già impiegati nella recitazione teatrale. Ne è, in fondo, l’erede e per questo gli attori possono quasi sempre trasferirsi dal palcoscenico al set senza dover ricominciare tutto da capo ma, appunto, specializzandosi in una nuova variante della stessa arte.

Non che la cosa sia però semplice o addirittura automatica. Come tutte le specializzazioni riesce meglio ad alcuni e meno ad altri. E soprattutto, al di là delle varianti tecniche, vi sono due elementi che incidono profondamente sull’impostazione complessiva della recitazione al cinema e a teatro. Il primo è la presenza del pubblico, il secondo l’azione della macchina da presa e del montaggio. Per un attore di teatro il pubblico è un punto di riferimento immediato e costante, un interlocutore diretto su cui deve lavorare nel corso di tutta la sua interpretazione. Del resto è proprio sulla capacità di apparire immediatamente vicino al pubblico, di orientarlo, di agire come un’irresistibile calamita sugli sguardi e l’attenzione degli spettatori che si misura nell’efficacia scenica dell’attore teatrale. Di qui il senso di vuoto che può provare quando lavora sul set. E’ come se il materiale su cui deve agire, su cui deve pesare la sua forza, gli venisse sottratto o almeno nascosto. Gesti, parole, movimenti ed espressioni non ricevono più una risposta immediata, si rivolgono a qualcuno che non c’è, sembrano scavare nel nulla e disperdere la propria efficacia.

In realtà sul set la mancanza di pubblico viene colmata da un’altra presenza. Non si tratta affatto dei pochi osservatori in carne e ossa, il regista e la squadra dei tecnici, che sono se mai i complici dell’attore, come a teatro lo sono i macchinisti e il suggeritore.

Si tratta dell’obiettivo della macchina da presa, o della telecamera: una sorta di occhio attento, insinuante, implacabile che scruta l’attore, lo segue, lo indaga, lo fruga con una precisione e un’esattezza inammissibili ad ogni occhio umano.

Il rendimento di un attore sul set dipende dalla capacità di avvertire la presenza dell’obiettivo che lo segue. Quanto più sente l’occhio della macchina, tanto più efficace diventa la sua recitazione, che altrimenti resta inerte. Magari è corretta, precisa, accurata, ma non riesce poi a colpire davvero la mente e l’immaginazione del pubblico. Al cinema e, soprattutto, alla televisione si parla di attori o comunque di personalità che “bucano lo schermo” e cioè arrivano vive e immediate allo spettatore che osserva le loro immagini riprodotte artificialmente.

La dote più importante per riuscire a bucare lo schermo non è altro che la capacità di avvertire su di sé, nel modo più esatto e penetrante, l’occhio della macchina da presa. Gli attori più dotati per il cinema o la televisione sviluppano, in effetti, una sorta di sesto senso che li anima e li orienta mantenendoli costantemente in contatto con l’azione dell’operatore.